이어서 예술과 기술의 접점에서 활동하고 있는 창작자를 지원하기 위해 학계와 공공기관이 어떤 역할을 할 수 있는지 이야기를 나눠보겠습니다. 학교에서 진행되는 다양하고 혁신적인 시도를 현장과 공유하기 위해서는 어떤 노력이 필요할까요.

저희는 공연 단체라기보다는 학교이기 때문에 인력 양성이 가장 중요한 것 같습니다. 현장에서 하기 힘든 거시적 안목이 필요한 프로젝트를 저희가 연구하고 창작하고 성과와 노하우, 시행착오를 이런 자리에서 나누는 방법이 있고요. 이런 과정을 통해 예술과 과학을 이해하면서 창작하는 인력이 현장으로 나가면서 현장의 예술가, 산업계와 만날 수 있다고 생각해요. 저희 학교는 컬래버레이션이나 파트너십에 대한 문호를 열어놓고 있고요. 저희 쪽에 리소스가 필요하거나 저희가 필요한 리소스를 가지고 있는 분과 지속적으로 만남을 유지하려고 합니다.

저는 조금 다른 측면에서 말씀드리고 싶은데요. 2021년 우리가 당면한 큰 화두를 먼저 얘기하지 않고는 설명이 안 될 것 같아요. 코로나19와 4차 산업혁명에 기반한 첨단기술로 저희가 생각하는 미래가 좀 더 빨리 다가왔는데요. 비대면이 본격화하고 초연결 사회로 성장하는 시점에서 교육기관과 공공기관의 역할을 얘기하려면 근본부터 다시 생각해야 해요. 성장과 기술 중심의 가치관이 흔들리는 지금, 공공의 복지와 가치에 대한 근본적인 질문이 먼저 수반돼야 하고 당연히 고등교육의 개혁도 필요합니다. 비대면 시대가 되면서 의도치 않게 온라인으로 강의해야 했고, 교육의 질에 대한 질문이 나오기 시작했어요. 교육의 목적과 장기적 안목이 어떻게 변해야 할지에 대해 많은 고민을 하고 이야기를 나눠야 합니다. 창작의 공유 이전에 저희가 직면한 화두를 어떻게 풀어나가느냐에 따라 방법론적인 것이 뒷받침될 수 있을 것 같아요.

학계의 결과물을 공유하는 것은 중요한 문제입니다. 최근 인공지능·머신러닝·딥러닝 연구자들의 커뮤니티에서는 연구의 재현성을 중요시하기 때문에, 발표한 논문이 믿을 만한 결과인지 입증하기 위해 사용한 데이터를 공유하거나 실험한 소스 코드를 공유하는 게 일반적입니다. 공유된 소스 코드를 받아 실행해도 똑같이 재현하기는 쉽지 않거든요. 인공지능 연구에는 알고리즘 개발자, 서비스로 개발하는 개발자, 인터페이스를 디자인하는 사람 등 다양한 층이 있는데, 각 층에서 맡은 역할을 잘 해야 사람들이 쉽게 사용할 수 있고 초기에 들어가는 시간을 낭비하지 않을 수 있다고 생각합니다.

두 번째로 예술가의 입장에서는 기술적 부분에 접근하기가 쉽지 않은데 학계나 공공기관에서 어떻게 도움을 주는 것이 효과적일지 의견을 나눠보고 싶습니다.

저는 개인적으로 연락이 오면 한 번도 뵌 적 없는 분들과 같이 협업을 해야 할지 말아야 할지, 하면 어떤 형식으로 해야 할지, 서로 기대치가 다를 수 있고 신뢰 관계가 형성돼 있지 않다 보니 조심스럽더라고요. 이런 경우 중재 역할을 해주는 분이 있으면 좋겠어요. 보통 연락이 와도 한번 답하고 잊어버리는 경우가 많은데, 기회를 살리기 위한 시스템이 있으면 좋겠습니다.

저희 학교만 해도 아날로그 성격이 강한 연극과 무용 기반의 교수님들은 실제 공연할 때 불편을 주거나, 기술에 가려 왜소해 보이지않을까 하는 두려움이 있는데요. 미디어 창작을 공부한 교수님들은 사고방식이 다르게 흘러가더라고요. 실제 프로토타입으로 빠르게 구현해서 어떻게 활용되는지를 직접 보여주는 것이 기술을 도입하는데 가장 좋은 방법 같습니다.

한예종 졸업생 중에는 순수한 예술가가 많을 텐데 기술을 흡수해서 커리어를 새롭게 해보겠다는 친구들이 있나요.

많은 편은 아니지만 있습니다. 저희끼리는 아티스트에게 코딩 을 가르치는 것보다는 엔지니어에게 예술을 가르치는 게 조금 더 쉽다고 얘기해요. 지금 문화예술이나 첨단 영상 분야에서 테크니컬 디렉터 역할이 부족합니다. 좌뇌와 우뇌가 합쳐진, 기술을 알면서 예술적 감성을 발휘할 수 있는 인력 양성이 중요하고요. 실제로 모든 예술가가 코딩을 하거나 기술을 구현할 수는 없으니, 만나는 접점을 어떻게 선순환하게 할지가 중요합니다.

이제 유튜브로 시청 중인 관객의 질문으로 넘어가겠는데요. 관객에게 예술과 기술이 접목된 작품은 신기하게만 다뤄질 수 있고, 창작자나 관심 있는 사람만의 우물이 될 수도 있다는 우려가 드는데, 이에 대한 생각이 궁금하다고 했습니다.

지금은 하이엔드 관객을 위한 실험적인 것과 일반 관객이 만날수 있는 작품이 혼재하고, 아카데믹한 부분과 대중적인 부분의 구분이 없어서 생기는 문제가 아닐까 싶은데요. VR^{Virtual Reality; 가상현실}과 XR^{Extended Reality; 확장현실}의 경우 그간 선수들을 위한 우리끼리의 창작이 진행됐다면 올해를 기점으로 관객이 즐기고 감흥을 느낄 수 있는쪽으로 가고 있습니다. 창작자들이 좀 더 관객에게 다가가려고 노력하고 조금 낯설어도 그 시도와 배경을 이해하려는 관객의 만남이 지속된다면 어느 정도 해결될 수 있지 않을까 싶네요.

이런 딜레마는 대부분의 창작자나 예술가가 갖고 있다고 생각해요. 새로운 기술을 사용했을 때 조금 미숙하게 보이더라도 마음을 열고 받아들이는 자세가 중요하다고 생각합니다. 기술이 발전할수록 노출이 많이 된 세대와 노출이 덜 된 세대가 자연스럽게 본인에게 맞는 접점을 찾아가지 않을까 생각합니다.

두 번째는 전공이 다른 사람들이 모여서 협업할 때 어려운 점과 해결 과정 등에 대한 노하우를 공유해 달라는 질문입니다.

우리나라는 학문 간의 구분이 너무 뚜렷한 게 문제라고 생각해요. 이과생은 문과 지식을 몰라도 되고 문과생은 이과 지식을 몰라도 된다는 교육환경의 문제도 큰 것 같습니다. 작업하면서 이 정도면 이해할 거라고 생각했는데 전혀 공유가 안 되는 경우가 있어요. 서로 언 어를 소통해 주는 중간자와 협업 과정에서 생기는 신뢰도가 중요한것 같습니다.

학부 때부터 융화되지 않으면 생각이 굳고, 창의적인 발상을 하기 어렵기 때문에 어떤 학문에 치우치지 않는 자세가 중요하다는 생각이 듭니다. 남주한 교수님은 피아노를 전공한 박종화 교수님과 협업할 때 어땠나요.

박종화 교수님은 클래식 음악을 하는 분이고, 저희는 공학 중심이기 때문에 대화할 때 쓰는 용어가 달랐는데요. 기념행사 공연에서는 인공지능 모델과 사람이 듀오로 연주하다 보니 세세한 부분까지 보게 되더라고요. 연구에서는 사실 학습 데이터의 전체 결과 위주로 보거든요. 이 부분은 이렇게 고쳐야 한다고 의논하면서 서로 더 이해하게 됐어요. 협업할 때 초기와 중간 단계에는 기술개발이 우선시될수 있지만, 궁극적으로 공연·전시 등은 메시지와 감동 전달이 중요하기 때문에 기술자와 개발자가 이런 노력을 해야 해요. 자주 만나고 처음부터 끝까지의 작업 절차를 경험하는 것이 중요합니다.

다음으로 예술적 사유의 속도는 느리고 기술은 굉장히 빠르게 변하는데 예술가로서 이러한 간극을 어떻게 극복하는 것이 좋을지 질문했습니다.

지금 가상현실·증강현실은 하루가 다르게 무엇이 나오기 때문에 따라가기 힘든데요. 내가 무언가를 만들고 싶은데 그것을 창작할수 있는 물감이 새로 나온다면 많을수록 좋거든요. 기술이 물감이라고 하면 그것을 통해 자신이 표현하려고 하는 세계가 무엇인지 확고해야 합니다. 탐구가 충분하지 않은 상태로 관객을 만나면 ‘장난 같다’ ‘기술을 위한 것이지 예술이 아닌 것 같다’는 얘기가 나옵니다.

중요한 것은 전달하고자 하는 메시지와 스토리이고 거기에 필요한 만큼 기술을 쓰는 게 정답이지 않을까 생각합니다. 질문이 하나 더 있는데요. 기술이 예술 창작에서 자본의 한계를 극복할 수 있게 해주는지 대한 논의가 있는지 궁금하다고 했습니다.

기술이 자본의 한계를 극복할 수 있는 부분은 많다고 생각합니다. 사실 전 세계에 떨어져 있는 사람들과 같이 공유하고 가치를 만들어내는 것은 1년 전만 해도 불가능했거든요. 그런데 <허수아비VRC>를 할 때 큰돈을 들이지 않고 기존의 플랫폼을 이용해 쉽게 했어요. 그중 한 체험자는 미국의 중서부에 있었는데요. ‘평생 배우를 본 적이 없고 앞으로도 볼 일이 없을 것 같은데 오늘 같이 공연한 사람들이 내가 만난 마지막 배우’라고 해서 감동했어요. 브로드웨이에 가서 공연을 보는 경비에 비해 소셜 플랫폼에서 만나 공연하는 것이 훨씬 저렴하고 민주화된 형태라고 생각해요.

마지막으로 예술과 기술 분야를 활성화하기 위해 학계가 공공기관에 바라는 점을 말씀해 주시면 좋겠습니다.

여러 기관에서 예술가를 지원하고 있지만 지원하는 방식이나 절차는 또 다른 넘어야 할 산입니다. 행정적인 면을 완화해 줬으면 하고요. 예술가와 투자자를 매칭해서 연결해 주고 법무적인 조언을 해줘서 이들이 자생할 수 있는 힘을 길러주는 것까지가 공공기관의 역할이라 생각합니다. 1개 기관만의 노력이 아니라 교육계, 공공기관과 정치·사회·경제 모든 시스템에 대한 고려가 있어야 할 것 같습니다.

저희 연구실은 행정 스태프가 영수증 처리, 정산, 기관과의 연락을 전담해 주기 때문에 연구에만 집중할 수 있습니다. 예술가의 경우 행정적인 지원을 단체로 지원해 주거나, 개인이 하더라도 빨리 할 수 있게 절차를 간편화하는 작업이 필요하지 않을까 생각합니다.

저는 ‘아트 & 테크놀로지’라는 말을 씀으로 인해 문화예술 장르의 하위 분야로 인식되는 문제가 있다고 생각합니다. 얼마 전 ‘앞으로 모든 문화예술단체는 미디어 컴퍼니다’라는 기사를 봤는데요. 메타버스, AI와 XR 등이 합쳐진 새로운 세상에서 문화예술이 어떻게 존재 할 수 있는지에 대한 질문 같습니다. ‘아트 & 테크놀로지’를 하위 분야로 닫아놓지 말고 모든 문화예술 창작에 테크놀로지를 어떻게 사용할 수 있을지로 확장해야 합니다.

오늘 이 시간이 학계와 예술 현장과 공공기관이 조금 더 이해하고 소통할 기회가 됐기를 바랍니다. 앞으로 계속 서로 문제점을 공유하고 협업하고 각각의 결과물이 또 다른 곳으로 유입될 때 미래 융복합 시대의 예술에 더 큰 발전이 있을 거라 생각합니다.