브라질 상파울로 출신이다. 2000년 벨기에 브뤼셀에 있는 P.A.R.T.S.(Performing Arts Research and Training Studios)에서 춤을 공부한 후 브라질로 돌아와 활동하고 있다. 브라질에 와서 안무를 기초부터 다시 하고 싶었다. 사람들은 유럽에서 공부했으니 유명한 학교 출신 아티스트의 동작을 보여줄 거라 기대했지만 그렇게 하지 않았다. 당시 지원을 받기도 어려웠다. 브라질 무용계는 전통적인 시각의 순수무용이 아니면 춤으로 취급하지 않았다. 그런 상황에서 새로운 프로젝트 (2011)를 시도했다. 나에게는 하나의 선언과 같은 작품이었다. 2008년부터 2011년까지, 유럽에서 배운 것을 거부 하는 상황에서 독창적인 무언가를 만들어내기 위한 고민 끝에 나온 것이다. 100명의 안무가를 골라 이들의 작품이나 작품에서 끌렸던 부분을 선택했다. 레퍼런스로 삼을 것에 대한 고민이 담겨 있는 프로젝트이다. 웹사이트에서 마우스를 올리면 이름과 작품명이 나온다. 자극을 준 안무가를 색깔별로 구분했다. 춤을 출 때는 창작자가 한 그대로 추는 것이 아니라 내 방식으로 다시 만들어서 보여준다. 일련번호 없이 접속할 때마다 바뀐다. 직접 올린 것이 아니라 클라우드에 존재하는 데이터를 모아놓았다. 이 프로젝트를 통해 춤과 웹사이트, 두 가지가 남았다. 프로젝트를 하다 보니 자연스럽게 관심이 무용사로 옮겨갔다. 피나 바우쉬처럼 중요한 안무가들이 나오고 무용사에는 등장하지 않는 비욘세 등도 연구 과정에 들어갔다.
하와이의 해변에서 주워온 이 돌덩이는 사람들이 버린 쓰레기와 흘러나온 용암이 결합해서 만들어진 자연 조형물이다. 지질학자와 비주얼 아티스트, 두 명이 고른 것이다. 이를 통해 아카이브에 접근하는 방식이 바뀌었다. 최근의 아카이브는 시간순과 파일명 등으로 정리가 잘되어 있다. 레퍼런스는 하나의 덩어리지만 이 안에 들어 있는 강렬한 시간이 보인다. 예전에는 무언가를 강조하는 레퍼런스가 좋았다면 이제는 사라지는 것에 더 관심이 간다. 현재 집중하는 영역 두 개는 무용사를 개인의 관점과 경험으로 바라보는 것과 유약하고 사라지는 것이 모여 있는 플라스틱 결합체로 보는 것이다.

프랑스에서 ‘선아당스’(SunadanSe)라는 단체로 활동 중이며, 안무가 뤽 페통(Luc Petton)의 무용수로도 활동하고 있다. 21살에 무용을 시작했다. 우연히 전문대 무용과에 입학한 것이 계기다. 당시 다니던 교회에서 행사가 있을 때마다 솔로춤을 춰달라고 제안했다.
무용을 한 지 얼마 되지 않아 안무를 어떻게 하는지도 잘 모르는 상태였다. 예를 들어 ‘열정’이라는 주제가 주어지면, 내 춤을 보면서 그 주제가 느껴졌으면 좋겠다는 생각으로 춤을 췄다. 그 과정이 큰 공부가 되었다. 전문대를 졸업하고 한성대 3학년으로 편입했다. 김주자 교수님의 수업이 기억에 많이 남는다. 어느 날 수업 중에 밖으로 나가 벚꽃을 관찰하고 와서 몸으로 표현해보라고 하셨다. 눈을 감고 ‘나는 벚꽃이다’라고 생각하며 벚꽃의 움직임을 표현했다. 그 모습이 인상적이었는지 교수님께서 계속 공부를 하거나 이름을 건 무용단을 했으면 좋겠다고 말씀하셨다. 혼란스러웠다. 당시 무용과를 다니며 선생님이 보여주는 동작을 빨리 잘 따라 하는 사람이 무용을 잘하는 사람이라고 생각했다. 무용이 어렵게 느껴졌다. 졸업 후 교수님의 말씀이 머릿속을 떠나지 않았고, 한예종 창작과 전문사 과정에 입학했다.
한예종 첫 학기에 안성수 교수님의 안무실습 수업이 있었다. 음악을 분석하고 움직임을 집요하게 연결시키는 공부였다. 어려웠지만 재미있었다. 그 후 안무의 맛을 본 것 같다. 학교에서 만든 두 개의 작품을 엮어 <퍼포밍 드림>(Performing Dream)이라는 작품을 만들었다. 이 작품으로 요코하마 댄스 컬렉션에서 프랑스 대사관상을 받았다. 이 상을 계기로 유럽에서 활동을 시작할 수 있었다. 초기 작업들은 신체 마디마디를 독립된 생명체라 생각하며 작업했다. 손가락과 발가락을 많이 사용했고 머리카락도 신체의 일부라 생각했다. 작품 <Touch>는 처음으로 공, 테이블, 거울, 커튼 같은 오브제를 사용한 작품이다.
2014년 프랑스 안무가 뤽 페통이 한예종에서 워크숍과 오디션을 진행했다. 일주일 동안 워크숍에 참여했는데 그의 작업 방식이 흥미로웠다. 오디션에 지원했고 <라이트 버드>(Light Bird)라는 작품의 무용수로 선정됐다. 뤽 페통과의 작업은 내게 첫 안무가와의 작업이자 첫 그룹 작업이었다. 페통은 내가 스스로 상상하고 춤을 출 수 있도록 기회를 줬다. 그러한 작업 방식이 잘 맞았다고 생각한다.
2008년부터 야외 공연을 시작했다. 사실 이전에 야외 공연에 대한 선입견이 있었다. 프랑스 페리괴(Perigueux) 지역에 있는 미모스(Mimos) 축제에 참가한 것을 계기로 그 선입견이 깨졌다. 공연 후 사람들과 바로 접촉하고 피드백 받는 것이 좋았다. 그 이후 다양한 공간에서 야외 공연을 가졌다. 솔로 작품 <Waves>는 프랑스 안무가 죠셋 바이즈(Josette Baiz)의 그르나드(Grenade)무용단에 웰컴이라는 프로그램으로 전수되었다.
이후에도 다양한 공동 작업에 참여했다. 추경엽 감독이 만든 단편영화 <너의 춤>에 배우로 참여했다. 이 영화는 무용과 영화가 합쳐진 시네당스(Cine-Danse) 버전이다. 공연 형식으로 발전시켰고 <Dancing Dance for Me>라는 제목으로 작년 파리 L’Etoile du Nord 무대에 올랐다.

파리에서 활동하는 벨기에-호주 안무가이자 교육자로 대화와 교류를 통해 끊임없이 진화하는 무용의 비전을 연구한다. 장소(site)와 정체성(identity)이라는 개념을 안무의 중심으로 하고 있으며, 무대, 도시, 옥상, SNS 등을 통해 작품을 창작한다. 20여 년 동안 국제적인 행사에서 작품을 선보여왔다. 1986년부터 1991년까지 호주국립무용단원으로 활동한 후 런던으로 이주했다. 1992년에 브뤼셀로 이주하면서 안무가로서 경력을 다졌다. 2010년에 프랑스 벨포트에 있는 국립안무센터의 예술감독을 맡았고, 2015년 파리를 기반으로 하는 무용단 WLDN(월든)을 창립했다.
WLDN은 프로젝트이고, 철학이며, 안무 연구와 창작의 플랫폼이다. WLDN이라는 이름은 미국의 작가이자 철학가인 헨리 데이비드 소로가 1854년에 쓴 책에서 따왔다. 근본 가치와의 재연결을 추구하는 이 책에서 작가는 2년 넘게 자연에서 독립적으로 살았던 경험을 풀어놓는다. WLDN은 무용, 움직임, 장소에 대한 공연의 근본적인 본질로 돌아간다는 점에서 “초월적인 스트립쇼”라고 할 수 있다.
안무작으로 <Corps Exquis>(2019), <i am Sitting in a Room>, 프랑스, 벨기에, 독일, 쿠바, 덴마크, 오스트리아 등에서 진행된 <Made in…> 시리즈, <9000 Steps>, <Songlines>를 꼽을 수 있다.
2011년 9월에 시작된 <The Vigil>은 참가자가 매일 일출과 일몰 시 도시의 가장 높은 곳에서 1시간 동안 시계를 들고 있는 것을 1년 동안 이어가는 작품으로 365일 동안 730명의 참가자와 함께한다. 이 공연은 프랑스, 독일 등 7개국에서 진행되었고, 현재 네덜란드에서 이어가고 있다. 2014년에는 걷기를 모티브로 한 안무와 작품을 시작했다. Walk#1 Belfort - Freiburg라는 걷기 프로젝트에서 4일 동안 벨포트에서 프라이부르크까지 수로를 따라 127km를 침묵 속에 걸었다.
교육자로도 활동하며 강연, 컨퍼런스, 워크숍을 정기적으로 진행한다. 존재하고, 행동하고, 생각하고, 일하고, 만들고, 제안하는 새로운 방법을 찾아가면서 현대무용의 접근권, 소유권, 작가주의에 대해 근본적으로 다른 접근 방식들을 포용하려고 끊임없이 노력한다.

신체의 움직임과 구조, 추상예술인 움직임을 시간 안에서 구성하는 것이 나의 일관된 고민이자 주제이다. <내려오지 않기>(2003)는 학교를 졸업한 후 신체의 기능을 탐구하면서 나온 작업이다. <텅 빈 흰 몸>(2006)은 솔로 작업으로 불필요한 것은 걷어내고 움직임에만 집중했다. <제7의 인간>(2010)은 이주노동자에 관한 작품으로 몇개의 클래식과 현대음악으로 만들었다. 무용은 몸을 움직이는 순간 결과물이 발생하기 때문에 공부를 하거나 레퍼런스를 찾아보지 않아도 된다. 이것은 장점이지만 단점으로도 작용한다. 리서치에 익숙한 무용수가 있는가 하면 리서치를 하고 작업에 적용하는 것을 어려워하는 무용수도 있다. 나는 연극을 먼저 시작했다. 1992년 극단에 들어가 활동하면서 무위에서 특정한 자세를 취하고 있는 것을 발견하고, 이 자세는 어디에서 왔고 어떤 감정과 상황에 대한 반응인지, 신체에 대한 질문을 가지고 춤을 추기 시작했다.
<시간은 두 자매가 사는 서쪽 마을에서 멈추었다>(2011)에서는 라벨의 현악 4중주를 골랐다. 이야기는 이집트 신화 하토르 여신에서, 동선과 구성은 우리나라와 아시아의 제사, 장례, 생일 등 여러 의식에서 가져왔다. 음악, 건축, 의식처럼 오랜 시간을 두고 탄탄해진 구조를 안무로 어떻게 치환할지 질문하며 일관되게 작업하고 있다.
음악은 영감의 원천이고 몸을 다양하게 만들어주는 교본이다. 예전에는 구조, 악기, 화성, 대위를 안무에 적용하는 데 집중했다면, 최근에는 전체 음악 안에서 어떻게 강약이나 리듬이 끊어지지 않고 연결되는지에 집중하고 있다. 강약과 빠르기를 디테일하게 구분하고 질감의 차이를 다양하게 표현하는 무용수를 만나려고 애쓴다.
<까마귀와 까치>(2014)는 우리나라와 일본의 소문에 대해 두 나라의 무용수가 함께한 작업이다. 무용수 개인의 움직임을 그대로 담아내면서 내가 만든 구성 안에 일관되게 섞는 것이 숙제이자 재미이다. <보복>(2014)은 가족 관련 텍스트, 영화, 신화, 나의 가족에 관한 자료를 리서치한 후 최소한의 공간에서 몇 개의 사인을 중심으로 만든 작품으로 음악 없이 작업했다. 즉흥춤을 좋아하지만 데이터를 얻기 어렵고 매번 달라지기 때문에 다른 무용수와 작업할 때는 지양한다. <점에서 점으로>(2016)에서는 전통음악가와 무용수에게 세상 모든 움직임의 시초가 되는 움직임과 첫 프레이즈가 될 만한 소리가 무엇인지를 콘셉트로 던지고 진행했다. <푸가>(2015)는 4개의 성부가 독립적인 주제를 갖고 꼬리를 물고 진행되는데 지금 보는 장면은 5명의 무용수가 4개의 성부를 어떻게 주고받을지에 집중한 것이다. 나는 안무작업을 할 때 마음 가는 대로가 아니라 시간의 흐름에 움직임을 실어 보내 동선이나 구성 안에서 형식을 확정하는 과정을 즐긴다. 나는 현대무용, 한국무용, 발레 안무가, 이렇게 장르를 구분해서 안무가의 영역을 사고하지 않는다. 그냥 안무가라고 생각하고 세상의 모든 움직임을 가져올 수 있다고 생각한다. 스스로 검열하지 않고 어떤 움직임이든 작업하려는 구조 안에 들어오고 일관성이 있다면 사용한다.